Japonsko je nejmenší země na Dálném východě - 372 tisíc kilometrů čtverečních. Ale příspěvek Japonska k dějinám světové kultury není o nic menší než příspěvek velkých starověkých států.
Počátky umění této starověké země sahají až do 8. tisíciletí před naším letopočtem. Ale nejvýznamnější etapou ve všech oblastech jejího uměleckého života bylo období, které začalo v 6-7 století našeho letopočtu. a trvala až do poloviny 19. století. Vývoj japonského umění postupoval nerovnoměrně, ale neznal příliš prudké obraty ani prudké propady.
Japonské umění se vyvíjelo ve zvláštních přírodních a historických podmínkách. Japonsko se rozkládá na čtyřech velkých ostrovech (Honshu, Hokkaido, Kyushu a Shioku) a mnoha menších. Dlouho byla nedobytná a neznala vnější války. Blízkost Japonska k pevnině ovlivnila ve starověku navazování kontaktů s Čínou a Koreou. To urychlilo vývoj japonského umění.
Japonské středověké umění vyrostlo pod vlivem korejské a čínské kultury. Japonsko přijalo čínské písmo a rysy čínského světového názoru. Buddhismus se stal státním náboženstvím Japonska. Japonci si ale čínské myšlenky vyložili po svém a přizpůsobili je svému způsobu života.
Japonský dům, japonský interiér
Japonský dům je uvnitř stejně jasný a jednoduchý jako venku. Bylo udržováno neustále v čistotě. Podlaha vyleštěná do lesku byla pokryta světlými slaměnými rohožemi - tatami, rozdělujícími místnost na rovnoměrné obdélníky. Na prahu se zouvaly boty, věci byly uloženy ve skříních a kuchyně byla oddělená od obytného prostoru. V místnostech zpravidla nebyly žádné stálé věci. Podle potřeby byli přiváženi a odváženi. Ale každá věc v prázdné místnosti, ať už je to květina ve váze, obraz nebo lakovaný stolek, přitahovala pozornost a získala zvláštní expresivitu.
Všechny druhy umění byly ve středověkém Japonsku spojeny s návrhem prostoru domu, chrámu, paláce nebo hradu. Každý z nich sloužil jako doplněk druhého. Například dovedně vybraná kytice doplňovala a odrážela nálady zprostředkované v krajinomalbě.
V produktech dekorativního umění bylo cítit stejně dokonalou přesnost, stejný cit pro materiál jako ve výzdobě japonského domu. Ne nadarmo se při čajových obřadech používalo jako největší poklad ručně vyrobené nádobí. Jeho měkký a nerovný střep nesl stopy po prstech formujících mokrou hlínu. Růžovo-perleťové, tyrkysově-fialové nebo šedomodré glazury nebyly křiklavé, ale pocítily záři samotné přírody, s jejímž životem je spojen každý předmět japonského umění.
Japonská keramika
Hliněné nádoby neglazované, ručně tvarované a vypalované při nízké teplotě byly podobné keramice jiných starověkých národů. Ale už měly rysy vlastní pouze japonské kultuře. Návrhy džbánů a nádobí různých tvarů odrážely představy o živlech hurikánů, moří a hor chrlících oheň. Zdálo se, že fantazii těchto produktů navrhla sama příroda.
Mohutné džbány dosahující téměř metrové výšky s nalepeným vzorem konvexních jílových pramenů připomínají kroutící se mušle, rozvětvené korálové útesy, spleti řas nebo rozeklané okraje sopek. Tyto majestátní a monumentální vázy a mísy sloužily nejen každodenním, ale i rituálním účelům. Ale v polovině 1. tisíciletí př. Kr. Začaly se používat bronzové výrobky a keramické nádobí ztratilo svůj rituální účel.
Spolu s keramickými se objevila nová umělecká řemesla - zbraně, šperky, bronzové zvony a zrcadla.
Japonské domácí potřeby
V 9.–12. století našeho letopočtu se vkus japonské aristokracie rozvinul v dekorativním umění. Hladké laky odolné proti vlhkosti, posypané zlatým a stříbrným práškem, lehké a elegantní, jako by osvětlovaly soumrak japonských místností a tvořily obrovskou škálu každodenních předmětů. Lak se používal k výrobě mís a krabic, truhel a stolů a hudebních nástrojů. Každý malý detail chrámu a každodenního použití - stříbrné nádobí, květinové vázy, vzorovaný dopisní papír, vyšívané pásy - odhaloval poetický a emocionální postoj Japonců ke světu.
Japonská malba
S rozvojem monumentální palácové architektury se výrazně zaktivizovala činnost malířů dvorské školy. Umělci museli malovat velké plochy nejen stěn, ale i vícelistých skládacích papírových paravánů, které plnily roli jak obrazů, tak přenosných příček v místnosti. Rysem kreativního stylu talentovaných řemeslníků bylo zvýraznění velkého, vícebarevného detailu krajiny na obrovské ploše nástěnného panelu nebo obrazovky.
Kompozice květin, trav, stromů a ptáků, provedené Kano Eitoku na zlatém lesklém pozadí s hustými a bohatými skvrnami, zobecnily představy o síle a nádheře vesmíru. Zástupci školy Kano spolu s přírodními motivy zařadili do svých obrazů nová témata odrážející život a způsob života japonského města 16. století.
Na obrazovkách paláce byly také zobrazeny jednobarevné krajiny. Ale staly se více dekorativní. Toto je obrazovka, kterou namaloval Sesshuův následovník Hasegawa Tohaku (1539-1610). Jeho bílý matný povrch je malířem interpretován jako hustý závoj mlhy, z něhož jako vize náhle vytrysknou siluety starých borovic. Pomocí několika odvážných tahů inkoustu vytváří Tohaku poetický obraz podzimního lesa.
Jednobarevné krajinné svitky se svou matnou krásou nemohly rovnat stylu palácových komnat. Svůj význam si ale zachovaly jako nedílná součást čajového pavilonu chashitsu, určeného pro duchovní soustředění a klid.
Umělecká díla japonských mistrů nejen zůstávají věrná starověkým stylům, ale také vždy obsahují něco nového, co žádné jiné umělecké dílo nemá. V japonském umění není místo pro klišé nebo šablony. V něm, stejně jako v přírodě, neexistují dva zcela totožné výtvory. A ani nyní nelze umělecká díla japonských mistrů zaměňovat s uměleckými díly z jiných zemí. V japonském umění se čas zpomalil, ale nezastavil. V japonském umění se tradice z dávných dob zachovaly dodnes.
Dobrý den, milí čtenáři – hledači poznání a pravdy!
Japonští umělci mají jedinečný styl, vybroušený celými generacemi mistrů. Dnes si povíme o nejvýraznějších představitelích japonské malby a jejich obrazech, od starověku až po moderní dobu.
Nuže, pojďme se vrhnout do umění Země vycházejícího slunce.
Zrození umění
Starověké malířské umění v Japonsku je spojeno především se zvláštnostmi písma a je proto postaveno na základech kaligrafie. První vzorky zahrnují fragmenty bronzových zvonů, nádobí a předmětů pro domácnost nalezené během vykopávek. Mnohé z nich byly natřeny přírodními barvami a výzkum dává důvod se domnívat, že výrobky byly vyrobeny dříve než 300 let před naším letopočtem.
S příchodem do Japonska začalo nové kolo vývoje umění. Obrazy božstev buddhistického panteonu, výjevy ze života Učitele a jeho následovníků byly aplikovány na emakimono - speciální papírové svitky.
Převahu náboženských námětů v malbě lze vysledovat ve středověkém Japonsku, konkrétně od 10. do 15. století. Jména umělců té doby se bohužel dodnes nedochovala.
V období 15.-18. století začala nová doba, charakteristická nástupem umělců s rozvinutým individuálním stylem. Nastínili vektor pro další vývoj výtvarného umění.
Světlí představitelé minulosti
Napjatý Xubun (počátek 15. století)
Aby se stal vynikajícím mistrem, studoval Xiubun techniky psaní umělců čínské písně a jejich díla. Následně se stal jedním ze zakladatelů malby v Japonsku a tvůrcem sumi-e.
Sumi-e je umělecký styl, který je založen na kresbě tuší, což znamená jednu barvu.
Syubun udělal hodně pro to, aby se nový styl uchytil v uměleckých kruzích a naučil umění další talenty, včetně budoucích slavných malířů, například Sesshu.
Xiubunův nejoblíbenější obraz se jmenuje „Čtení v bambusovém háji“.
„Čtení v Bamboo Grove“ od Tense Xubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Stal se tvůrcem školy pojmenované po sobě – Hasegawa. Zpočátku se snažil dodržovat kánony školy Kano, ale postupně se v jeho dílech začal vysledovat jeho individuální „rukopis“. Tohaku bylo vedeno grafikou Sesshu.
Základem děl byly jednoduché, lakonické, ale realistické krajiny s jednoduchými názvy:
- "Borovice";
- "Javor";
- "Borovice a kvetoucí rostliny."
"Pines" od Hasegawa Tohaku
Bratři Ogata Korin (1658-1716) a Ogata Kenzan (1663-1743)
Bratři byli vynikajícími řemeslníky 18. století. Nejstarší Ogata Korin se zcela věnoval malbě a založil žánr rimpa. Vyhýbal se stereotypním obrazům, preferoval impresionistický žánr.
Ogata Korin maloval přírodu obecně a zejména květiny ve formě jasných abstrakcí. Jeho štětce patří k obrazům:
- "Švestkový květ červený a bílý";
- "Vlny Matsushimy";
- "Chryzantémy".
"Vlny Matsushima" od Ogata Korin
Mladší bratr, Ogata Kenzan, měl mnoho pseudonymů. Přestože se zabýval malbou, proslul spíše jako báječný keramik.
Ogata Kenzan ovládal mnoho technik pro tvorbu keramiky. Vyznačoval se nestandardním přístupem, vytvářel například desky ve tvaru čtverce.
Jeho vlastní malba se nevyznačovala nádherou - to byla také jeho zvláštnost. Rád na své předměty používal svitkovou kaligrafii nebo úryvky z poezie. Někdy pracovali společně se svým bratrem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tvořil ve stylu ukiyo-e - druh dřevorytu, jinými slovy rytecká malba. Za celou svou kariéru vystřídal asi 30 jmen. Jeho nejznámějším dílem je Velká vlna z Kanagawy, díky které se proslavil i mimo svou vlast.
„Velká vlna z Kanagawy“ od Hokusai Katsushika
Hokusai začal obzvláště tvrdě pracovat po 60 letech, což přineslo dobré výsledky. Van Gogh, Monet a Renoir jeho dílo znali a do jisté míry ovlivnilo tvorbu evropských mistrů.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z největších umělců 19. století. Narodil se, žil a pracoval v Edu, pokračoval v díle Hokusaie a byl inspirován jeho díly. Způsob, jakým zobrazil přírodu, je téměř stejně působivý jako množství děl samotných.
Edo je dřívější název Tokia.
Zde jsou některé postavy o jeho práci, které jsou reprezentovány sérií obrazů:
- 5,5 tisíce – počet všech rytin;
- „100 pohledů na Edo;
- "36 pohledů na Fuji";
- "69 stanic Kisokaido";
- "53 tokaidských stanic."
Obraz Ando Hiroshige
Zajímavé je, že významný Van Gogh namaloval několik kopií svých rytin.
Modernost
Takashi Murakami
Umělec, sochař, oděvní návrhář si vydobyl jméno již na konci 20. století. Ve své tvorbě sleduje módní trendy s klasickými prvky, inspiraci čerpá z anime a manga kreslených filmů.
Obraz od Takashi Murakamiho
Díla Takashi Murakamiho jsou považována za subkulturu, ale zároveň jsou neuvěřitelně populární. Například v roce 2008 bylo jedno z jeho děl zakoupeno v aukci za více než 15 milionů dolarů. Svého času moderní tvůrce spolupracoval s módními domy Marc Jacobs a Louis Vuitton.
Tichá Ashima
Kolegyně předchozí umělkyně vytváří moderní surrealistické obrazy. Zobrazují pohledy na města, ulice megapolí a stvoření jako z jiného vesmíru – duchy, zlé duchy, mimozemské dívky. Na pozadí obrazů si můžete často všimnout panenské, někdy až děsivé přírody.
Její obrazy dosahují velkých rozměrů a zřídka se omezují na papírová média. Přenášejí se na kůži a plastové materiály.
V roce 2006 vytvořila žena v rámci výstavy v britském hlavním městě asi 20 klenutých staveb, které ve dne i v noci odrážely krásu přírody vesnice a města. Jeden z nich zdobil stanici metra.
Ahoj Arakawa
Mladého muže nelze nazvat pouhým umělcem v klasickém slova smyslu – vytváří instalace, které jsou v umění 21. století tak oblíbené. Témata jeho výstav jsou skutečně japonská a dotýkají se přátelských vztahů i práce celého týmu.
Hei Arakawa se často účastní různých bienále, například v Benátkách, vystavuje ve své vlasti v Muzeu moderního umění a zaslouženě získává různé druhy ocenění.
Ikenaga Yasunari
Současnému malíři Ikenagu Yasunarimu se podařilo spojit dvě zdánlivě neslučitelné věci: život moderních dívek v portrétní podobě a tradiční japonské techniky z dávných dob. Malíř při své tvorbě používá speciální štětce, přírodní pigmentované barvy, tuš a dřevěné uhlí. Místo obvyklého len - lněná tkanina.
Obraz Ikenaga Yasunariho
Tato technika kontrastu zobrazené doby a vzhledu hrdinek vytváří dojem, že se k nám vrátily z minulosti.
Sérii obrazů o složitosti života krokodýla, nedávno populární v internetové komunitě, vytvořil také japonský kreslíř Keigo.
Závěr
Japonská malba tedy začala kolem 3. století před naším letopočtem a od té doby se hodně změnila. První obrázky byly aplikovány na keramiku, poté začaly v umění převládat buddhistické motivy, ale jména autorů se dodnes nedochovala.
V moderní době získávali mistři štětce stále větší individualitu a vytvářeli různé směry a školy. Dnešní výtvarné umění se neomezuje pouze na tradiční malbu – využívá se instalací, karikatur, uměleckých plastik, speciálních struktur.
Velice vám děkuji za pozornost, milí čtenáři! Doufáme, že vám náš článek byl užitečný a příběhy o životě a díle nejjasnějších představitelů umění vám umožnily je lépe poznat.
Samozřejmě je těžké mluvit o všech umělcích od antiky po současnost v jednom článku. Nechť je to proto první krok k pochopení japonské malby.
A přidejte se k nám – přihlaste se k odběru blogu – budeme společně studovat buddhismus a východní kulturu!
Od starověku se japonské umění vyznačovalo aktivní kreativitou. Navzdory své závislosti na Číně, kde se neustále objevovala nová umělecká a estetická hnutí, japonští umělci vždy zaváděli nové rysy a měnili umění svých učitelů, čímž mu dali japonský vzhled.
Dějiny Japonska jako takové začínají nabývat určitých podob až koncem 5. století. Poměrně málo předmětů pocházejících z předchozích století (archaické období) bylo objeveno, i když některé nálezy vzniklé při vykopávkách nebo při stavebních pracích svědčí o pozoruhodném uměleckém talentu.
Archaické období.
Nejstaršími díly japonského umění jsou hliněné nádoby typu jomon (otisk šňůry). Název pochází od zdobení povrchu spirálovitými otisky šňůry omotané kolem tyčí, které řemeslník použil k výrobě nádoby. Možná, že řemeslníci nejprve náhodou objevili pletené otisky, ale pak je začali používat záměrně. Někdy byly na povrch přilepeny jílové kudrlinky, které vytvářely složitější dekorativní efekt, téměř reliéf. První japonská socha vznikla v kultuře Jomon. Dogu (dosl. „hliněný obraz“) osoby nebo zvířete měl pravděpodobně nějaký náboženský význam. Obrazy lidí, většinou žen, jsou velmi podobné hliněným bohyním jiných primitivních kultur.
Radiokarbonové datování naznačuje, že některé nálezy z kultury Jomon mohou pocházet z doby 6-5 tisíc před naším letopočtem, ale datování tak rané není obecně přijímáno. Takové pokrmy se samozřejmě vyráběly po dlouhou dobu, a přestože se zatím nepodařilo zjistit přesné datování, lze rozlišit tři období. Nejstarší exempláře mají špičatou základnu a jsou téměř nezdobené, až na stopy hrnčířského nástroje. Nádoby středního období jsou bohatěji zdobené, někdy s lisovanými prvky, vytvářející dojem objemu. Tvary nádob třetího období jsou velmi rozmanité, ale výzdoba se opět zplošťuje a stává se zdrženlivější.
Kolem 2. stol. PŘED NAŠÍM LETOPOČTEM. Keramika Jomon ustoupila keramice Yayoi, která se vyznačuje ladnými formami, jednoduchostí designu a vysokou technickou kvalitou. Úlomek nádoby se ztenčil a ozdoba méně nápadná. Tento typ převládal až do 3. století. INZERÁT
Z uměleckého hlediska jsou možná nejlepší díla raného období haniwa, hliněné válečky pocházející ze 3. až 5. století. INZERÁT Charakteristickými památkami této epochy jsou obrovské kopce neboli mohyly, pohřební stavby císařů a mocné šlechty. Často velmi velkých rozměrů jsou důkazem moci a bohatství císařské rodiny a dvořanů. Stavba takové stavby pro císaře Nintoku-tenno (asi 395-427 n. l.) trvala 40 let. Nejpozoruhodnějším rysem těchto mohyl byly hliněné válce, haniwa, obklopující je jako plot. Obvykle byly tyto válce zcela jednoduché, ale někdy byly zdobeny lidskými postavami, méně často postavami koní, domů nebo kohoutů. Jejich účel byl dvojí: zabránit erozi obrovských mas půdy a zásobovat zesnulého nezbytnostmi, které používal v pozemském životě. Přirozeně, že válce byly vyráběny ve velkém množství najednou. Různorodost témat, mimiky a gest figur, které je zdobí, je z velké části výsledkem mistrovy improvizace. Navzdory skutečnosti, že jde spíše o díla řemeslníků než malířů a sochařů, mají jako vlastní japonská umělecká forma velký význam. Budovy, koně v dekách, primitivní dámy a válečníci představují zajímavý obraz vojenského života raně feudálního Japonska. Je možné, že se prototypy těchto válců objevily v Číně, kde byly různé předměty umístěny přímo do hrobů, ale provedení a způsob použití haniwy patří k místní tradici.
Archaické období je často vnímáno jako doba bez děl vysoké umělecké úrovně, doba dominance věcí především archeologické a etnologické hodnoty. Je však třeba připomenout, že díla této rané kultury jako celku měla velkou vitalitu, protože jejich formy přežily a nadále existovaly jako specifické národní rysy japonského umění v pozdějších obdobích.
Asuka období
(552-710 našeho letopočtu). Zavedení buddhismu v polovině 6. století. provedl významné změny ve způsobu života a myšlení Japonců a stal se impulsem pro rozvoj umění tohoto i následujících období. Příchod buddhismu z Číny přes Koreu je tradičně datován do roku 552 n. l., ale byl pravděpodobně znám již dříve. V prvních letech čelil buddhismus politické opozici s odporem národního náboženství šintoismu, ale jen o několik desetiletí později získala nová víra oficiální schválení a byla konečně založena. V prvních letech svého zavedení do Japonska byl buddhismus relativně jednoduchým náboženstvím s malým počtem božstev, která potřebovala obrazy, ale asi po sto letech nabyl na síle a panteon se nesmírně rozrostl.
V tomto období byly zakládány chrámy, které sloužily nejen k účelům šíření víry, ale byly centry umění a vzdělanosti. Klášterní chrám v Horyuji je jedním z nejdůležitějších pro studium raného buddhistického umění. Mezi další poklady patří socha velké triády Syaka-Nerai (623 n. l.). Toto dílo Tori Bussi, prvního známého japonského sochaře, je stylizovaným bronzovým obrazem podobným podobným skupinám ve velkých jeskynních chrámech v Číně. Póza sedícího Shakyho (japonský přepis slova „Shakyamuni“, historický Buddha) a dvou postav stojících po jeho obou stranách je přísně čelní. Podoby lidské postavy jsou skryty těžkými symetrickými záhyby schematicky ztvárněných šatů a v hladkých protáhlých tvářích je cítit zasněné sebezahlcení a kontemplace. Socha tohoto prvního buddhistického období je založena na stylu a prototypech z pevniny o padesát let dříve; věrně navazuje na čínskou tradici, která se do Japonska dostala přes Koreu.
Některé z nejvýznamnějších soch této doby byly vyrobeny z bronzu, ale bylo použito i dřevo. Dvě nejznámější dřevěné sochy jsou sochy bohyně Kannon: Yumedono Kannon a Kudara Kannon, obě v Horyuji. Jsou atraktivnějším předmětem uctívání než triáda Shaki se svými archaickými úsměvy a zasněnými výrazy. Figurky Kannon mají sice také schematické a symetrické uspořádání záhybů oblečení, ale jsou lehčí a plné pohybu. Vysoké, štíhlé postavy zdůrazňují spiritualitu tváří, jejich abstraktní laskavost, vzdálené všem světským starostem, ale citlivé k modlitbám trpících. Sochař věnoval určitou pozornost obrysům postavy Kudary Kannon, skrytým záhyby oděvu, a na rozdíl od zubaté siluety Yumedona je pohyb postavy i látky směřován do hloubky. Z profilu má Kudara Kannon elegantní obrys ve tvaru S.
Jediným dochovaným příkladem malby, který dává představu o stylu počátku 7. století, je obraz Tamamushi Zushi, „okřídlená svatyně“. Tato miniaturní svatyně má svůj název podle duhových broučích křídel zasazených do perforovaného kovového rámu; později byla zdobena náboženskými kompozicemi a figurami jednotlivých postav vyrobených barevným lakem. Stejně jako sochy tohoto období, některé obrazy vykazují velkou svobodu designu.
Období Nara
(710-784). V roce 710 bylo hlavní město přesunuto do Nara, nového města po vzoru čínského hlavního města Chang'an. Byly tam široké ulice, velké paláce a četné buddhistické chrámy. Nejen buddhismus ve všech jeho aspektech, ale celý čínský kulturní a politický život byl vnímán jako vzor k následování. Žádná jiná země se snad necítila nedostatečně ve své vlastní kultuře nebo nebyla tak náchylná k vnějším vlivům. Učenci a poutníci se volně pohybovali mezi Japonskem a pevninou a vládní a palácový život byl modelován podle čínské dynastie Tang. Musíme však pamatovat na to, že navzdory napodobování příkladů Tang China, zejména v umění, vnímajíc její vliv a styl, Japonci téměř vždy přizpůsobovali cizí formy svým vlastním.
V sochařství ustoupila přísná frontalita a symetrie předchozího období Asuka volnějším formám. Rozvoj představ o bozích, zvýšená technická zručnost a svoboda použití materiálu umožnily umělcům vytvářet intimnější a přístupnější kultovní obrazy. Zakládání nových buddhistických sekt rozšířilo panteon i o světce a zakladatele buddhismu. Kromě bronzové plastiky je známo velké množství děl ze dřeva, hlíny a laku. Kámen byl vzácný a téměř nikdy se nepoužíval k sochařství. Suchý lak byl obzvláště oblíbený, možná proto, že navzdory složitosti procesu přípravy kompozice vypadaly práce z něj působivější než dřevěné a byly pevnější než hliněné výrobky, které bylo snazší vyrobit. Lakové figurky se tvořily na dřevěném nebo hliněném podkladu, který se následně sejmul, nebo na dřevěné či drátěné výztuži; byly lehké a odolné. Navzdory skutečnosti, že tato technika diktovala určitou strnulost v pózách, byla při zobrazování tváří umožněna velká volnost, což částečně přispělo k rozvoji toho, co lze nazvat vlastním portrétním sochařstvím. Zobrazení tváře božstva bylo provedeno v souladu s přísnými požadavky buddhistických kánonů, ale obliba a dokonce zbožštění některých zakladatelů a kazatelů víry poskytlo vynikající příležitosti pro zprostředkování portrétní podoby. Tato podobnost je patrná na soše ze suchého laku čínského patriarchy Genjina, uctívaného v Japonsku, umístěné v chrámu Toshodaiji. Genjin byl slepý, když přijel do Japonska v roce 753, a jeho nevidomé oči a osvícený stav vnitřní kontemplace jsou nádherně zachyceny neznámým sochařem. Tuto realistickou tendenci nejzřetelněji vyjádřila dřevěná plastika kazatele Kuyi, kterou vytvořil sochař Kosho ve 13. a 14. století. Kazatel je oblečený jako potulný žebrák s holí, gongem a paličkou a z jeho pootevřených úst vystupují malé postavičky Buddhy. Sochař, který nebyl spokojen s obrazem zpívajícího mnicha, se pokusil vyjádřit nejniternější význam svých slov.
Obrazy Buddhy z období Nara se také vyznačují velkým realismem. Byly vytvořeny pro stále větší počet chrámů, nejsou tak neochvějně chladné a rezervované jako jejich předchůdci, mají půvabnější krásu a vznešenost a jsou oslovovány s větší přízní lidem, kteří je uctívají.
Z této doby se dochovalo jen velmi málo obrazů. Vícebarevný design na papíře zobrazuje minulý a současný život Buddhy. Toto je jeden z mála starověkých příkladů emakimono neboli malby svitků. Svitky se pomalu odvíjely zprava doleva a divák si mohl vychutnat pouze tu část obrazu, která se nacházela mezi rukama rozvíjejícími svitek. Ilustrace byly umístěny přímo nad textem, na rozdíl od pozdějších svitků, kde se úsek textu střídal s vysvětlujícím obrázkem. V těchto nejstarších dochovaných příkladech malby svitků jsou obrysové postavy zasazeny do sotva obrysové krajiny, přičemž ústřední postava, v tomto případě Shaka, se objevuje v různých scénách.
Brzy Heian
(784-897). V roce 784 bylo hlavní město dočasně přesunuto do Nagaoky, částečně proto, aby se zabránilo nadvládě buddhistického duchovenstva Nary. V roce 794 se na delší dobu přestěhovala do Heianu (nyní Kjóto). Konec 8. a 9. století byly obdobím, kdy Japonsko úspěšně asimilovalo, přizpůsobilo se svým vlastním charakteristikám, mnoho zahraničních inovací. Buddhistické náboženství také zažilo dobu změn, vznik nových sekt esoterického buddhismu s rozvinutým rituálem a etiketou. Z nich nejvlivnější byly sekty Tendai a Shingon, které vznikly v Indii, dostaly se do Číny a odtud je do Japonska přivezli dva vědci, kteří se po dlouhém učení vrátili do své vlasti. Sekta Shingon („Pravdivá slova“) byla obzvláště populární u dvora a rychle zaujala dominantní postavení. Jeho hlavní kláštery byly umístěny na hoře Koya poblíž Kjóta; stejně jako jiná významná buddhistická centra se stala úložištěm obrovských sbírek umění.
sochařství 9. století byla převážně dřevěná. Obrazy božstev se vyznačovaly svou přísností a nepřístupnou vznešeností, což bylo zdůrazněno vážností jejich vzhledu a masivnosti. Drapérie byly dovedně vystřiženy podle standardních vzorů a šátky ležely ve vlnách. Stojící postava Shaki z chrámu Muroji je příkladem tohoto stylu. Pro tento a podobné obrazy 9. stol. vyznačující se tuhými řezbami s hlubšími, ostrými záhyby a dalšími detaily.
Nárůst počtu bohů způsobil umělcům velké potíže. Ve složitých, mapách podobných mandalách (geometrické vzory s magickými významy) byla božstva uspořádána v hierarchii kolem centrálního Buddhy, který byl sám pouze jedním projevem absolutna. V této době se objevil nový způsob zobrazování postav strážných božstev obklopených plameny, hrozného vzhledu, ale blahodárné povahy. Tato božstva byla umístěna asymetricky a byla zobrazena v pohyblivých pózách, s impozantními rysy obličeje, zuřivě bránící víru před možným nebezpečím.
Střední a pozdní období Heian nebo Fujiwara
(898-1185). Převod hlavního města do Heian, který měl uniknout obtížným požadavkům kléru, způsobil také změny v politickém systému. Šlechta byla dominantní silou a jejími nejreprezentativnějšími představiteli byla rodina Fujiwara. Období 10-12 století. často spojován s tímto jménem. Období zvláštní moci začalo, když skutečným císařům bylo „důrazně doporučeno“, aby ponechali stranou záležitosti státu a věnovali se příjemnějším činnostem poezie a malby. Císaře až do jeho plnoletosti vedl přísný regent – obvykle z rodu Fujiwara. Byla to doba luxusu a pozoruhodných úspěchů v literatuře, kaligrafii a umění; Všude byla malátnost a emocionalita, která jen zřídka dosáhla hloubky, ale celkově byla okouzlující. Elegantní kultivovanost a únikovost se odrážely v umění této doby. Dokonce i přívrženci buddhismu hledali jednodušší cesty a zvláště populární se stalo uctívání nebeského Buddhy Amidy. Myšlenky o soucitu a spásné milosti Amidy Buddhy se hluboce odrážely v malířství a sochařství tohoto období. Masivnost a zdrženlivost soch z 9. století. v 10.-11. století. ustoupilo blaženosti a šarmu. Božstva jsou zobrazována jako zasněná, zamyšleně klidná, řezba se stává méně hlubokou, povrch se stává barevnějším, s bohatě vyvinutou texturou. Nejvýznamnější památky tohoto období patří sochaři Jochovi.
Díla umělců také získala jemnější rysy, připomínala kresby na látce, a dokonce i strašlivá božstva - obránci víry - se stala méně děsivou. Sútry (buddhistické texty) byly psány zlatou a stříbrnou barvou na sytě modrý papír, krásné kaligrafii textu často předcházela malá ilustrace. Nejoblíbenější prvky buddhismu a s nimi spojená božstva odrážejí preference aristokracie a postupný odklon od strohých ideálů raného buddhismu.
Atmosféra této doby a jeho díla jsou částečně spojeny s ukončením formálních vztahů s Čínou v roce 894. Buddhismus v této době byl v Číně pronásledován a zkorumpovaný Tangský dvůr byl ve stavu úpadku. Existence na odlehlém ostrově, která následovala po tomto oddělení, povzbudila Japonce, aby se obrátili ke své vlastní kultuře a vyvinuli nový, čistší japonský styl. Skutečně světská malba 10.-12. století. byl téměř výhradně japonský - jak v technice, tak ve složení a předmětech. Charakteristickým rysem těchto japonských svitků, nazývaných yamato-e, byla převaha předmětů engi (původ, historie). Zatímco čínské svitky nejčastěji zobrazovaly rozlehlou, úžasnou přírodu, panoramata hor, potoků, skal a stromů a lidé působili poměrně bezvýznamně, na japonských narativních svitcích byla hlavní věcí kresby a textu osoba. Krajina hrála pouze roli pozadí vyprávěného příběhu, podřízeného hlavní postavě či osobám. Mnohé svitky byly ručně kreslené kroniky života slavných buddhistických kazatelů nebo historických osobností, jejich cest a vojenských tažení. Jiní vyprávěli o romantických epizodách ze života šlechticů a dvořanů.
Zjevně osobitý styl raných svitků pocházel z jednoduchých inkoustových náčrtů na stránkách buddhistických sešitů. Jde o dovedné kresby, které karikují lidské chování prostřednictvím zvířecích obrazů: opice v mnišském rouchu uctívající nafouklou žábu, soutěže mezi zajíci, opicemi a žábami. Tyto a další svitky pozdního Heianu sloužily jako základ pro složitější narativní svitky rozvinutého stylu 13. a 14. století.
Kamakura období
(1185-1392). Konec 12. století přinesl velké změny do politického a náboženského života Japonska a samozřejmě i do jeho umění. Elegance a estetismus kjótského dvora byla nahrazena nebo v tradici „zvláštního“ vládnutí „dostala přídavek“ v podobě nového, drsného a odvážného pravidla – kamakuraského šógunátu. Ačkoli hlavním městem zůstalo nominálně Kjóto, šógun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) založil své hlavní sídlo ve městě Kamakura a za pouhých 25 let založil tuhý systém vojenské diktatury a feudalismu. Buddhismus, který se stal tak složitým a ritualizovaným, že mu obyčejní laici málo rozuměli, také prošel velkými změnami, které neslibovaly záštitu nad uměním. Sekta Yodo (Čistá země), forma úcty k Amida Buddhovi, pod vedením Honena Shonina (1133-1212), reformovala hierarchii Buddhů a božstev a dala naději na spasení všem, kdo prostě věřili v Amidu. Tuto doktrínu o snadno dosažitelném ráji později zjednodušil další mnich, Shinran (1173-1262), zakladatel sekty Shin, který uznal, že Amidina blahosklonnost byla tak velká, že nebylo třeba provádět náboženské úkony, jednoduše opakoval zaklínadlo “ Namu Amida Butsu“ (první slovo znamená „poslechnout“; druhá dvě jsou „Buddha Amida“). Tato jednoduchá metoda záchrany duše byla mimořádně atraktivní a nyní ji využívají miliony lidí. O generaci později militantní kazatel Nichiren (1222-1282), po kterém je sekta pojmenována, tuto zjednodušenou formu náboženství opustil. Jeho následovníci ctili Lotosovou sútru, která neslibovala okamžitou a bezpodmínečnou spásu. Jeho kázání se často dotýkala politických témat a jeho víra a navrhované reformy církve a státu se líbily nové vojenské třídě v Kamakurě. A konečně, zenová filozofie, která se objevila již v 8. století, začala v tomto období hrát v buddhistickém myšlení stále důležitější roli. Zen zdůrazňoval důležitost meditace a pohrdání jakýmikoli obrazy, které by mohly bránit člověku v jeho snaze sjednotit se s Bohem.
Byla to tedy doba, kdy náboženské myšlení omezovalo počet malířských a sochařských děl dříve nezbytných pro kult. Nicméně některá z nejlepších děl japonského umění byla vytvořena během období Kamakura. Motivací byla vrozená japonská láska k umění, ale klíč k řešení spočívá v přístupu lidí k novým vyznáním, a ne v dogmatech jako takových. Díla sama o sobě naznačují důvod jejich vzniku, protože mnohé z těchto soch a obrazů plných života a energie jsou portréty. Ačkoli zenová filozofie mohla považovat běžné náboženské předměty za překážku osvícení, tradice ctění učitelů byla docela přijatelná. Portrét sám o sobě nemohl být předmětem uctívání. Tento postoj k portrétu byl charakteristický nejen pro zen buddhismus: mnoho ministrů sekty Pure Land bylo uctíváno téměř jako buddhistická božstva. Díky portrétu se dokonce objevila nová architektonická forma - mieido neboli portrétní kaple. Rychlý rozvoj realismu byl zcela v duchu doby.
Přestože malebné portréty kněží byly zjevně skutečně obrazy konkrétních lidí, často šlo o přepracování obrazů zobrazujících čínské zakladatele buddhismu. Byli zobrazeni, jak kážou, s otevřenými ústy a gestikulujícími rukama; někdy byli zobrazováni žebraví mniši, jak podnikají obtížnou cestu za slávou víry.
Jedním z nejoblíbenějších námětů bylo raigo (vytoužený příchod), které znázorňovalo Buddhu Amidu se svými společníky sestupujícími na oblaku, aby zachránili duši věřícího na smrtelné posteli a přenesli ji do nebe. Barvy takových obrazů byly často zvýrazněny aplikovaným zlatem a vlnovky, vlající pláště a vířící mraky dávaly pocit pohybu při sestupu Buddhy.
Unkei, činný v druhé polovině 12. a na počátku 13. století, byl autorem inovace usnadňující řezbářství, které zůstalo oblíbeným materiálem sochařů v době Kamakura. Dříve byl mistr limitován velikostí a tvarem klády nebo klády, ze které byla postava řezána. Paže a oděvní prvky byly aplikovány samostatně, ale hotový kus často připomínal původní válcový tvar. V nové technice byly desítky malých kousků pečlivě spojeny dohromady, aby vytvořily dutou pyramidu, ze které pak učni mohli zhruba vyřezat tvar. Sochař měl k dispozici poddajnější materiál a schopnost vytvářet složitější formy. Svalnatí chrámoví strážci a božstva ve splývavých pláštích a róbách působili živěji také proto, že se jim do očních důlků začal vkládat křišťál nebo sklo; sochy se začaly zdobit zlaceným bronzem. S přisycháním dřeva byly světlejší a méně často praskaly. Výše zmíněná dřevěná socha Kuya Shonin, od Kosho, Unkeiova syna, demonstruje nejvyšší úspěch realismu Kamakura éry v portrétním sochařství. Sochařství totiž v této době dosáhlo vrcholu svého vývoje a následně již nezastávalo tak výrazné místo v umění.
Také světská malba odrážela ducha doby. Vyprávěcí svitky pozdního období Heian se střídmými barvami a půvabnými liniemi vyprávěly o romantických eskapádách prince Genjiho nebo o zábavách samotářských dvorních dam. Nyní, s jasnými barvami a energickými tahy štětcem, umělci z doby Kamakura zobrazovali bitvy válčících klanů, paláce pohlcené plameny a vyděšené lidi prchající před útočícími jednotkami. I když se na svitku odvíjely náboženské dějiny, obraz nebyl ani tak ikonou, jako spíše historickým záznamem cest svatých mužů a zázraků, které vykonali. V designu těchto scén je vidět rostoucí láska k přírodě a obdiv k původní krajině.
Období Muromachi nebo Ashikaga
(1392-1568). V roce 1392, po více než 50 letech sporů, třetí šógun z rodu Ašikaga, Yoshimitsu (1358-1408), znovu sjednotil zemi. Sídlem vlády se opět stalo nominální hlavní město Kjóto, kde si šógunové Ašikaga vybudovali své paláce ve čtvrti Muromači. (Toto období je někdy nazýváno Muromači nebo Ašikaga.) Válečná doba neušetřila mnoho chrámů – úložišť japonského umění, které byly spáleny spolu s tam umístěnými poklady. Země byla brutálně zničena a ani mír nepřinesl velkou úlevu, protože válčící klany dosahovaly úspěchu a rozdávaly laskavosti podle svého rozmaru. Zdálo by se, že situace byla pro rozvoj umění krajně nepříznivá, ale ve skutečnosti ji zaštítili ašikagští šógunové, zejména v 15. a 16. století, kdy malba vzkvétala.
Nejvýznamnějším uměleckým fenoménem této doby byly monochromní poetické malby tuší podporované zenovým buddhismem a ovlivněné čínskými příklady dynastií Song a Yuan. Během dynastie Ming (1368-1644) byly obnoveny kontakty s Čínou a Yoshimitsu, sběratel a mecenáš umění, podporoval sbírání a studium čínských obrazů. Stala se vzorem a výchozím bodem pro nadané umělce, kteří malovali krajiny, ptáky, květiny, obrazy duchovenstva a mudrců lehkými a plynulými tahy štětce. Japonské malířství této doby se vyznačuje hospodárností linky; zdá se, že umělec extrahuje kvintesenci zobrazeného děje a umožňuje divákovi naplnit jej detaily. Přechody šedého a lesklého černého inkoustu na těchto obrazech jsou velmi blízké zenové filozofii, která jejich autory jistě inspirovala. Ačkoli tato víra dosáhla značného vlivu pod vojenskou vládou Kamakura, pokračovala v rychlém šíření v 15. a 16. století, kdy vznikly četné zenové kláštery. Kázal hlavně myšlenku „samospásy“, nespojoval spasení s Buddhou, ale spoléhal spíše na přísnou sebekázeň člověka, aby dosáhl náhlého intuitivního „osvícení“, které jej spojuje s absolutnem. S touto filozofií bylo v souladu hospodárné, ale odvážné použití inkoustu a asymetrická kompozice, v níž nebarvené části papíru hrály významnou roli při zobrazování idealizovaných krajin, mudrců a vědců.
Jedním z nejslavnějších představitelů sumi-e, stylu monochromatické tušové malby, byl Sesshu (1420-1506), zenový kněz, jehož dlouhý a plodný život si vysloužil dlouhotrvající úctu. Na sklonku života začal používat styl haboku (rychlý inkoust), který na rozdíl od vyzrálého stylu, který vyžadoval jasné, ekonomické tahy, dovedl tradici monochromní malby téměř k abstrakci.
Ve stejném období se zaznamenává činnost umělecké rodiny Kano a vývoj jejich stylu. Volbou námětů a použitím inkoustu se blížila čínštině, ale výrazovými prostředky zůstala japonská. Kano se s podporou šógunátu stalo „oficiální“ školou nebo uměleckým stylem malby a vzkvétalo až do 19. století.
Naivní tradice Yamato-e nadále žila v dílech školy Tosa, druhého důležitého směru japonské malby. Ve skutečnosti byly v této době obě školy, Kano a Tosa, úzce propojeny, spojoval je zájem o moderní život. Motonobu Kano (1476-1559), jeden z vynikajících umělců této doby, nejen že oženil svou dceru se slavným umělcem Tosou, ale také maloval jeho způsobem.
V 15-16 století. Objevilo se jen několik pozoruhodných sochařských děl. Nutno však podotknout, že rozvoj noo dramatu s jeho rozmanitostí nálad a emocí otevřel sochařům nové pole působnosti – vyřezávali masky pro herce. V klasickém japonském dramatu, hraném aristokracií a pro aristokracii, herci (jeden nebo více) nosili masky. Předávaly řadu pocitů od strachu, úzkosti a zmatku až po zdrženlivou radost. Některé masky byly tak krásně vyřezávané, že sebemenší otočení hlavy herce způsobilo jemné změny ve vyjadřování pocitů. Pozoruhodné příklady těchto masek byly po léta uchovávány v rodinách, pro jejichž členy byly vyrobeny.
Momoyama období
(1568-1615). V roce 1593 postavil velký vojenský diktátor Hidejoši svůj hrad na Momojamě, „Peach Hill“, a pod tímto názvem se obecně označovalo období 47 let od pádu šógunátu Ašikaga do založení Tokugawy neboli Edo, tedy období v roce 1615. Byla to doba dominance zcela nové vojenské třídy, jejíž velké bohatství přispělo k rozkvětu umění. Působivé zámky s rozlehlými audienčními sály a dlouhými chodbami přišly do módy koncem 16. století. a požadovali dekorace odpovídající jejich velikosti. Byla to doba přísných a odvážných lidí a noví mecenáši se na rozdíl od předchozí aristokracie nijak zvlášť nezajímali o intelektuální činnosti ani o jemnosti řemesla. Naštěstí nová generace umělců byla zcela v souladu se svými mecenáši. Během tohoto období se objevily nádherné obrazovky a pohyblivé panely v jasných karmínových, smaragdových, zelených, fialových a modrých barvách. Takové bujné barvy a dekorativní formy, často na zlatém nebo stříbrném pozadí, byly velmi populární po sto let a jejich tvůrci byli zcela oprávněně nazýváni „velkými dekoratéry“. Díky jemnému japonskému vkusu se bujný styl nerozvinul do vulgárnosti, a i když zdrženlivost a zdrženlivost ustoupily luxusu a dekorativním excesům, dokázali Japonci zachovat eleganci.
Eitoku Kano (1543-1590), jeden z prvních velkých umělců tohoto období, pracoval ve stylu Kano a Tosa, rozšířil myšlenky kresby prvního a spojil je s bohatostí barev druhého. Ačkoli se dochovalo jen několik děl, která lze s jistotou připsat Eitokuovi, je považován za jednoho ze zakladatelů stylu Momoyama a většina umělců tohoto období byla jeho studenty nebo jím byla ovlivněna.
Období Edo nebo Tokugawa
(1615-1867). Dlouhé období míru, které následovalo po nově sjednoceném Japonsku, se nazývá buď dobou Tokugawa, podle příjmení vládce, nebo Edo (moderní Tokio), protože v roce 1603 se toto město stalo novým centrem moci. Dva slavní generálové krátkého období Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) a Tojotomi Hidejoši (1536-1598), pomocí vojenských akcí a diplomacie nakonec dokázali usmířit mocné klany a militantní duchovenstvo. Po smrti Hidejošiho v roce 1598 přešla moc na Iejasu Tokugawu (1542-1616), který dokončil společně započaté aktivity. Rozhodující bitva u Sekigahary v roce 1600 posílila Iejasuovu pozici, pád hradu Oska v roce 1615 provázel definitivní kolaps domu Hidejošiů a nastolení nerozdělené vlády šógunátu Tokugawa.
Mírová vláda Tokugawů trvala 15 generací a skončila až v 19. století. Bylo to do značné míry období politiky „zavřených dveří“. Dekret 1640 zakazoval cizincům vstup do Japonska a Japonci nemohli cestovat do zahraničí. Jediné obchodní a kulturní spojení bylo s Holanďany a Číňany přes přístav Nagasaki. Stejně jako v jiných obdobích izolace došlo na konci 17. století ke vzestupu národního cítění a ke vzniku. tzv. škola žánrové malby a rytiny.
Rychle rostoucí hlavní město Edo se stalo centrem nejen politického a obchodního života ostrovního impéria, ale také centrem umění a řemesel. Požadavek, aby daimjóové, provinční feudálové, byli v hlavním městě určitou část každého roku, vyvolal potřebu nových budov, včetně paláců, a tedy umělců, kteří by je vyzdobili. Nastupující vrstva bohatých, ale nearistokratických obchodníků přitom poskytovala umělcům nový a často neodborný patronát.
Umění raného období Edo částečně pokračuje a rozvíjí styl Momoyama, posiluje jeho tendence k luxusu a nádheře. Bohatství bizarních obrazů a polychromie zděděné z předchozího období se dále rozvíjí. Vrcholu dosáhl tento dekorativní styl v poslední čtvrtině 17. století. v tzv Genroku éra období Tokugawa (1688-1703). V japonském dekorativním umění nemá obdoby v extravaganci a bohatosti barev a dekorativních motivů v malbě, látkách, lacích a uměleckých detailech – atributech luxusního životního stylu.
Protože mluvíme o poměrně pozdním období dějin, není divu, že se zachovala jména mnoha umělců a jejich děl; Zde je možné jmenovat pouze některé z nejvýznamnějších. Mezi představitele dekorativní školy, kteří žili a pracovali během období Momoyama a Edo, patří Honnami Koetsu (1558-1637) a Nonomura Sotatsu († 1643). Jejich práce prokazuje pozoruhodný smysl pro design, kompozici a barvu. Koetsu, talentovaný keramik a lakýrník, byl proslulý krásou své kaligrafie. Společně se Sotatsu vytvořili básně na svitcích, které byly v té době módní. V této kombinaci literatury, kaligrafie a malby nebyly obrazy jednoduchými ilustracemi: vytvářely nebo naznačovaly náladu odpovídající vnímání textu. Ogata Korin (1658-1716) byl jedním z dědiců dekorativního stylu a spolu se svým mladším bratrem Ogatou Kenzanem (1663-1743) dovedl jeho techniku k dokonalosti. Kenzan, známý spíše jako keramik než jako umělec, vypaloval nádoby s návrhy svého slavného staršího bratra. Oživení této školy na počátku 19. století. básník a umělec Sakai Hoitsu (1761-1828) byl poslední vlnou dekorativního stylu. Horitsuovy nádherné svitky a obrazovky spojovaly Korinův smysl pro design se zájmem o přírodu, který je vlastní naturalismu školy Maruyama, vyjádřený bohatostí barev a dekorativních motivů charakteristických pro dřívější období, které byly zmírněny nádherou a ladností štětců.
Spolu s polychromovaným dekorativním stylem byla i nadále oblíbená tradiční kresba tuší školy Kano. V roce 1622 byl Kanó Tan'yu (1602-1674) jmenován dvorním malířem šóguna a povolán do Eda. Jeho jmenováním do této funkce a založením malířské školy Kano v Edo v Kobikito začalo půlstoleté období uměleckého vedení této tradice, které vrátilo rodině Kano na význačné postavení a vytvořilo díla Období Edo nejvýznamnější v malbě Kano. Navzdory popularitě obrazovek natřených zlatými a jasnými barvami vytvořenými „velkými dekoratéry“ a soupeři dokázal Tanyu díky síle svého talentu a oficiální pozici učinit obraz obnovené školy Kano populární mezi šlechtou. K tradičním rysům školy Kano Tanyu přidal sílu a jednoduchost založenou na tuhé lomené linii a promyšleném uspořádání kompozičních prvků na velké volné ploše.
Koncem 18. století se začal prosazovat nový směr, jehož hlavním rysem byl zájem o přírodu. Maruyama Okyo (1733-1795), ředitel nové školy, byl rolníkem, poté se stal duchovním a nakonec umělcem. První dvě studia mu nepřinesla štěstí ani úspěch, ale jako umělec dosáhl velkých výšin a je považován za zakladatele realistické školy Maruyama. Studoval u mistra školy Kano Ishida Yutei († 1785); Na základě importovaných holandských rytin se naučil západní techniku perspektivního zobrazování a někdy tyto rytiny jednoduše kopíroval. Studoval také čínské styly z dynastií Song a Yuan, včetně jemného a realistického stylu Chen Xuan (1235-1290) a Shen Nanping; posledně jmenovaný žil na počátku 18. století v Nagasaki. Ōkyo vytvořil mnoho děl ze života a jeho vědecká pozorování sloužila jako základ pro vnímání přírody, na kterém byla založena škola Maruyama.
Kromě zájmu o naturalismus v 18. stol. byl obnoven vliv čínské umělecké tradice. Představitelé tohoto trendu tíhli k obrazové škole umělců-vědců éry Ming (1368-1644) a Qing (1644-1912), ačkoli pravděpodobně jejich představy o moderním stavu umění v Číně byly omezené. Umění této japonské školy se nazývalo bujinga (umění vzdělaných lidí). Jedním z nejvlivnějších mistrů, kteří pracovali ve stylu bujinga, byl Ikeno Taiga (1723-1776), slavný umělec a kaligraf. Jeho vyzrálý styl se vyznačuje tlustými obrysovými liniemi vyplněnými lehkými peříčkovými tahy světlých tónů a inkoustu; Maloval také širokými, volnými tahy černým inkoustem, zobrazující kmeny bambusu ohýbané ve větru a dešti. Krátkými, zakřivenými liniemi dosáhl ve svém zobrazení mlžných hor nad jezerem obklopeným lesem efektu rytiny.
17. století zrodilo další pozoruhodné hnutí umění období Edo. Jde o takzvané ukiyo-e (obrázky měnícího se světa) – žánrové scény vytvořené obyčejnými lidmi a pro obyčejné lidi. Brzy ukiyo-e se objevily ve starém hlavním městě Kjóta a byly hlavně malebné. Těžiště jejich výroby se ale brzy přesunulo do Eda a pozornost řemeslníků se zaměřila na dřevoryt. Úzké spojení dřevořezových tisků s ukiyo-e vedlo k mylné představě, že dřevořezové tisky byly objevem tohoto období; ve skutečnosti vznikl již v 11. století. Takové rané obrazy měly votivní povahu a zobrazovaly zakladatele buddhismu a božstva a během období Kamakura byly některé narativní svitky reprodukovány z vyřezávaných bloků. Umění rytí se však stalo populární zejména v období od poloviny 17. do 19. století.
Náměty tisků ukiyo-e byly krásné kurtizány z veselých čtvrtí, oblíbení herci a scény z dramat. Rané, tzv Primitivní rytiny byly provedeny v černé barvě se silnými rytmickými vlnovkami a vyznačovaly se jednoduchými vzory. Někdy byly ručně malovány oranžově-červenou barvou zvanou tan-e (jasně červené malby), se znaky hořčičně žluté a zelené. Někteří z „primitivních“ umělců používali ruční malbu zvanou urushu-e (malba lakem), při níž byly tmavé oblasti zvýrazněny a rozjasněny přidáním lepidla. Raný vícebarevný tisk, který se objevil v roce 1741 nebo 1742, se nazýval benizuri-e (malinový tisk) a obvykle používal tři barvy - růžovo-červenou, zelenou a někdy žlutou. Skutečně vícebarevné tisky, využívající celou paletu a nazývané nishiki-e (brokátové obrázky), se objevily v roce 1765.
Kromě tvorby jednotlivých tisků mnozí z rytců ilustrovali knihy a vydělávali si peníze výrobou erotických ilustrací v knihách a na svitcích. Je třeba mít na paměti, že rytina ukiyo-e sestávala ze tří druhů činnosti: byla to práce kreslíře, jehož jméno tisk nesl, řezbáře a tiskaře.
Hishikawa Moronobu (asi 1625-1694) je považován za zakladatele tradice vytváření tisků ukiyo-e. Dalšími "primitivními" umělci tohoto hnutí jsou Kiyomasu (1694-1716) a skupina Kaigetsudo (podivná komunita umělců, jejíž existence zůstává nejasná), stejně jako Okumura Masanobu (1686-1764).
Přechodní umělci, kteří vytvořili benizuri-e tisky, byli Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktivní kolem 1751-1760) a Torii Kiyomitsu (1735-1785).
Díla Suzuki Harunobu (1725-1770) zahájila éru polychromované rytiny. Harunobuovy potisky plné jemných, téměř neutrálních barev, zalidněné půvabnými dámami a galantními milenci, měly velký úspěch. Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) a Kitagawa Utamaro (1753-1806) s ním pracovali přibližně ve stejnou dobu. Každý z nich přispěl k rozvoji tohoto žánru; mistři dovedli k dokonalosti rytiny zobrazující půvabné krásky a slavné herce. Během několika měsíců v letech 1794-1795 vytvořil tajemný Tosusai Saraku úžasně silné a upřímně řečeno brutální portréty tehdejších herců.
V prvních desetiletích 19. stol. žánr dosáhl zralosti a začal upadat. Katsushika Hokusai (1760-1849) a Ando Hiroshige (1797-1858) jsou největší mistři té doby, jejichž práce spojuje úpadek umění rytí v 19. století. a jeho nové oživení na počátku 20. století. Oba byli především krajináři, kteří do svých rytin zaznamenávali události moderního života. Brilantní zvládnutí technik řezbářů a tiskařů umožnilo v rytině přenést rozmarné linie a sebemenší odstíny zapadajícího slunce nebo za úsvitu vycházející mlhy.
Restaurování Meidži a moderní období.
Často se stává, že starověké umění konkrétního národa je chudé na jména, data a dochovaná díla, takže jakékoli soudy lze vynášet jen s velkou opatrností a podmíněností. Není však o nic méně obtížné soudit současné umění, protože jsme ochuzeni o historickou perspektivu, abychom mohli správně posoudit měřítko jakéhokoli hnutí nebo umělce a jeho díla. Studium japonského umění není výjimkou a nejvíce, co lze udělat, je představit panorama současného umění a vyvodit nějaké předběžné předběžné závěry.
V druhé polovině 19. stol. Japonské přístavy byly znovu otevřeny pro obchod a na politické scéně došlo k velkým změnám. V roce 1868 byl šógunát zrušen a byla obnovena vláda císaře Meidžiho. Oficiální hlavní město a sídlo císaře byly přesunuty do Edo a samotné město se stalo známým jako Tokio (východní hlavní město).
Jak se stalo v minulosti, konec národní izolace vyvolal velký zájem o úspěchy jiných národů. V této době udělali Japonci obrovský skok na poli vědy a techniky. Umělecky začátek éry Meidži (1868-1912) demonstruje přijetí všeho západního, včetně technologie. Tento zápal však netrval dlouho a následovalo období asimilace, vznik nových forem, které spojovaly návrat k vlastním tradicím a novým západním trendům.
Mezi významné umělce patřil Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) a Tomioka Tessai (1836-1942). První tři se držely tradičního japonského stylu a námětu, i když se snažily být originální náladou a technikou. Seiho například pracoval v klidné a konzervativní atmosféře Kjóta. Jeho raná díla byla vytvořena v naturalistickém stylu Maruyama, ale později hodně cestoval po Číně a byl hluboce ovlivněn čínskou tuší. Jeho cesty do muzeí a předních uměleckých center v Evropě také poznamenaly jeho tvorbu. Ze všech vynikajících umělců této doby se pouze jeden Tomioka Tessai přiblížil vývoji nového stylu. Jeho energická a silná díla kombinují hrubé, pokroucené, zubaté linie a šmouhy černého inkoustu s jemně vykreslenými plochami barev. V pozdějších letech někteří mladí olejomaléři uspěli tam, kde jejich dědové selhali. První pokusy o práci s tímto neobvyklým materiálem připomínaly pařížská plátna a nevyznačovaly se ani zvláštní hodnotou, ani specificky japonskými rysy. Nyní však vznikají díla výjimečné přitažlivosti, v nichž z abstraktních témat prosvítá charakteristický japonský smysl pro barvu a vyrovnanost. Jiní umělci, kteří pracují s přirozenějším a tradičním inkoustem a někdy používají jako výchozí motiv kaligrafii, vytvářejí energická abstraktní díla v brilantní černé s odstíny šedé.
Stejně jako v období Edo i v 19. a 20. století. socha nebyla populární. Ale i v této oblasti velmi úspěšně experimentovali zástupci moderní generace, kteří studovali v Americe a Evropě. Malé bronzové sochy, abstraktní formou a s podivnými názvy, ukazují japonský smysl pro linii a barvu, patrný v použití jemně zelené nebo teplé hnědé patiny; Dřevořezba svědčí o japonské lásce k textuře materiálu.
Sosaku hanga, japonský „kreativní tisk“, se objevil teprve v prvním desetiletí 20. století, ale jako zvláštní umělecký směr zastínil všechny ostatní oblasti moderního umění. Tento moderní dřevotisk není, přísně vzato, nástupcem staršího dřevotisku ukiyo-e; liší se stylem, předměty a metodami tvorby. Umělci, z nichž mnozí byli silně ovlivněni západním malířstvím, rozpoznali důležitost vlastního uměleckého dědictví a našli ve dřevě vhodný materiál pro vyjádření svých tvůrčích ideálů. Mistři Hanga nejen kreslí, ale také vyřezávají obrázky na dřevěné kostky a sami je tisknou. Ačkoli nejvyšší úspěchy v této umělecké formě jsou spojeny se zpracováním dřeva, používají se všechny moderní západní techniky rytí. Experimentování s listy, provázky a „nalezenými předměty“ může někdy vytvořit jedinečné efekty textury povrchu. Zpočátku byli mistři tohoto hnutí nuceni hledat uznání: vždyť i nejlepší úspěchy školy ukiyo-e spojovali intelektuální umělci s negramotným davem a považovali je za plebejské umění. Umělci jako Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi a Maekawa Senpan udělali mnoho pro to, aby obnovili respekt ke grafice a vytvořili ji jako důstojné odvětví výtvarného umění. Do své skupiny přilákali mnoho mladých umělců a rytců se nyní počítají na stovky. Mezi mistry této generace, kteří dosáhli uznání v Japonsku a na Západě, patří Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen a Saito Kiyoshi. Jsou to mistři, jejichž inovace a nepopiratelný talent jim vynesly právoplatné postavení mezi předními japonskými umělci. Mnoho z jejich vrstevníků a dalších mladších umělců hanga také produkovalo nádherné tisky; To, že zde neuvádíme jejich jména, neznamená nízké hodnocení jejich práce.
DEKORATIVNÍ UMĚNÍ, ARCHITEKTURA A ZAHRADY
Předchozí části se zabývaly především malbou a sochařstvím, které jsou ve většině zemí považovány za hlavní druhy výtvarného umění. Může být nespravedlivé zařadit na konec článku dekorativní umění a lidová řemesla, zahradní umění a architekturu – formy, které tvořily důležitou a nedílnou součást japonského umění. Snad s výjimkou architektury však vyžadují zvláštní pozornost kromě obecné periodizace japonského umění a změn stylu.
Keramika a porcelán.
Mezi nejvýznamnější umělecká řemesla v Japonsku patří keramika a porcelán. Keramické umění přirozeně spadá do dvou kategorií. Jemný polychromovaný porcelán Imari, Nabeshima a Kakiemon získal své jméno podle míst výroby a jeho bohatá malba na krémové nebo modrobílé ploše byla určena pro šlechtické a dvorské kruhy. Proces výroby pravého porcelánu se stal známým v Japonsku koncem 16. nebo začátkem 17. století; talíře a mísy s hladkou glazurou, s asymetrickým nebo brokátovým vzorem, jsou ceněny doma i na západě.
Na rozdíl od porcelánu se u hrubého nádobí z hlíny nebo kamenné hmoty nízké kvality, charakteristické pro Shino, Oribe a Bizen, soustředí pozornost na materiál, zdánlivě nedbalé, ale promyšlené uspořádání dekorativních prvků. Pod vlivem konceptů zenového buddhismu byly takové nádoby velmi oblíbené v intelektuálních kruzích a byly široce používány, zejména při čajových obřadech. Mnoho šálků, konvic a konviček, atributů umění čajového obřadu, ztělesňovalo samotnou podstatu zenového buddhismu: přísnou sebekázeň a přísnou jednoduchost. V době rozkvětu japonského dekorativního umění se talentovaní umělci Korin a Kenzan zabývali zdobením keramických výrobků. Je třeba připomenout, že Kenzanova sláva je spojena spíše s jeho talentem keramika než malíře. Některé z nejjednodušších typů a technik nádob pocházejí z lidových řemeslných tradic. Moderní dílny navazující na staré tradice produkují krásné výrobky, které potěší svou elegantní jednoduchostí.
Lakové výrobky.
Již v 7.-8.stol. lak byl slavný v Japonsku. Z této doby se dochovala víka krabiček zdobená obrazy lidí a geometrickými motivy nanesenými tenkými zlatými linkami. O významu techniky suchého laku pro sochařství v 8. a 9. století jsme již hovořili; ve stejné době i později se vyráběly dekorativní předměty jako schránky na dopisy nebo schránky na kadidlo. V období Edo se tyto výrobky vyráběly ve velkém množství a s tím nejluxusnějším zdobením. Luxusně zdobené krabice na oběd, dorty, kadidlo a léky, zvané inro, odrážely bohatství a lásku k luxusu, které jsou této době vlastní. Povrch předmětů byl zdoben vzory zlatého a stříbrného prášku, kousky zlaté fólie, samostatně nebo v kombinaci s intarziemi s mušlemi, perletí, slitinou cínu a olova apod.; tyto vzory kontrastovaly s lakovanými červenými, černými nebo hnědými povrchy. Někdy kresby pro laky vytvořili umělci, například Korin a Koetsu, ale je nepravděpodobné, že by se na těchto dílech osobně podíleli.
Meče.
Japonci, jak již bylo řečeno, byli po značnou dobu své historie národem válečníků; zbraně a zbroj byly pro velkou část populace považovány za nezbytnost. Meč byl mužskou pýchou; jak samotná čepel, tak všechny ostatní části meče, zejména rukojeť (tsuba), byly zdobeny různými technikami. Tsuba vyrobené ze železa nebo bronzu byly zdobeny vykládáním zlata a stříbra, pokryté řezbami nebo zdobené obojím. Zobrazovaly krajiny nebo lidské postavy, květiny nebo rodové erby (po). To vše doplňovalo práci výrobců mečů.
Tkaniny.
Bohatě vzorované hedvábí a další látky oblíbené u dvora a duchovenstva v dobách přepychu a hojnosti, stejně jako jednoduché látky s téměř primitivními vzory charakteristické pro lidové umění, jsou také výrazem národního japonského talentu. Umění textilu, které dosáhlo svého vrcholu během opulentní éry Genroku, v moderním Japonsku opět vzkvétalo. Úspěšně kombinuje nápady a umělá vlákna ze Západu s tradičními barvami a dekorativními motivy.
Zahrada.
V posledních desetiletích se zájem o japonské zahrady a architekturu zvýšil kvůli zvýšené expozici západní veřejnosti těmto uměleckým formám. Zahrady mají v Japonsku zvláštní místo; jsou výrazem a symbolem vysokých náboženských a filozofických pravd a tyto temné, symbolické podtexty v kombinaci se zjevnou krásou zahrad přitahují zájem západního světa. Nedá se říci, že by hlavním důvodem vzniku zahrad byly náboženské nebo filozofické myšlenky, ale umělec-plánovač při plánování a tvorbě zahrady uvažoval o takových prvcích, jejichž rozjímání by diváka přivedlo k zamyšlení nad různými filozofickými pravdami. Kontemplativní aspekt zenového buddhismu je zde ztělesněn ve skupině neobvyklých kamenů, vlnách shrabaného písku a štěrku v kombinaci s drnem nebo rostlinách uspořádaných tak, že potok za nimi mizí a pak se zase objevuje - to vše podněcuje diváka k dokončení stavebních plánů sami sebe. zahradní nápady. Preference vágních náznaků před jasnými vysvětleními je charakteristická pro zenovou filozofii. Pokračováním těchto nápadů jsou zakrslé bonsaje a malé zahrádky v květináčích, nyní populární na Západě.
Architektura.
Hlavními architektonickými památkami Japonska jsou chrámy, klášterní komplexy, feudální hrady a paláce. Od pradávna až dodnes bylo dřevo hlavním stavebním materiálem a do značné míry určuje designové prvky. Nejstaršími náboženskými stavbami jsou svatyně národního japonského náboženství šintoismus; soudě podle textů a nákresů to byly poměrně jednoduché stavby s doškovou střechou, jako starověká obydlí. Chrámové budovy postavené po rozšíření buddhismu a s ním spojené vycházely z čínských prototypů ve stylu a uspořádání. Buddhistická chrámová architektura se v průběhu času měnila a výzdoba a uspořádání budov se lišily mezi různými sektami. Japonské budovy se vyznačují rozlehlými sály s vysokými střechami a složitými systémy konzol a jejich výzdoba odrážela vkus své doby. Jednoduchá a majestátní architektura komplexu Horyuji, postaveného poblíž Nary na počátku 7. století, je pro období Asuka stejně charakteristická jako krása a elegance proporcí Hoodo, „Phoenix Hall“ v Uji, která se odráží v Lotosovém jezeře. , je z období Heian. Propracovanější stavby z období Edo získaly další výzdobu v podobě bohatě malovaných posuvných dveří a zástěn od stejných „velkých dekoratérů“, kteří zdobili interiéry vodních hradů a feudálních paláců.
Architektura a zahrady Japonska jsou tak úzce propojeny, že je lze považovat jedna za druhou. To platí zejména pro budovy a zahradní domky pro čajový obřad. Jejich otevřenost, jednoduchost a pečlivý vztah ke krajině a perspektivě mají zásadní vliv na moderní západní architekturu.
VLIV JAPONSKÉHO UMĚNÍ NA ZÁPADĚ
Během jediného století se japonské umění stalo známým na Západě a mělo na něj významný vliv. Dřívější kontakty byly (např. Holanďané obchodovali s Japonskem přes přístav Nagasaki), ale předměty, které se v 17. století dostaly do Evropy, byla především díla užitého umění – porcelán a lak. Byly dychtivě sbírány jako kuriozity a různými způsoby kopírovány, ale tyto dekorativní exporty neodrážely podstatu a kvalitu japonského umění a dokonce daly Japoncům nelichotivou představu o západním vkusu.
Poprvé byla západní malba přímo ovlivněna japonským uměním v Evropě v roce 1862 během obrovské mezinárodní výstavy v Londýně. Při prezentaci na pařížské výstavě o pět let později vzbudily japonské dřevotisky opět velký zájem. Okamžitě se objevilo několik soukromých sbírek rytin. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh a další vnímali japonské barevné tisky jako zjevení; Často je zaznamenán nepatrný, ale vždy rozpoznatelný vliv japonských tisků na impresionisty. Američany Whistlera a Mary Cassattovou přitahovala zdrženlivost linie a světlé barevné skvrny tisků a maleb ukiyo-e.
Otevření Japonska cizincům v roce 1868 vyvolalo šílenství všeho západního a způsobilo, že se Japonci odvrátili od své vlastní bohaté kultury a uměleckého dědictví. V této době se prodalo mnoho krásných obrazů a soch, které skončily v západních muzeích a soukromých sbírkách. Výstavy těchto předmětů představily Západ Japonsku a podnítily zájem o cestování na Dálný východ. Okupace Japonska americkými vojsky na konci druhé světové války samozřejmě otevřela větší možnosti než dříve k prozkoumávání a poznávání japonských chrámů a jejich pokladů. Tento zájem se projevil v návštěvnosti amerických muzeí. Zájem o Východ obecně vzbudilo pořádání výstav děl japonského umění, vybraných z japonských veřejných i soukromých sbírek a přivezených do Ameriky a Evropy.
Vědecký výzkum v posledních desetiletích udělal mnoho pro vyvrácení názoru, že japonské umění je pouze odrazem čínského umění, a četné japonské publikace v angličtině představily Západu ideály Východu.
Japonsko je úžasná východní země ležící na ostrovech. Jiný název pro Japonsko je Země vycházejícího slunce. Mírné, teplé a vlhké podnebí, pohoří sopek a mořské vody vytvářejí nádherné krajiny, mezi kterými vyrůstají mladí Japonci, což nepochybně zanechává otisk umění tohoto malého státu. Lidé si zde zvykají na krásu odmala a čerstvé květiny, okrasné rostliny a malé zahrádky s jezírkem jsou atributem jejich domovů. Každý se snaží uspořádat kus divoké přírody pro sebe. Jako všechny východní národnosti si i Japonci udržovali spojení s přírodou, kterou ctili a respektovali po celá staletí své civilizace.
Zvlhčování vzduchu: pračka vzduchu „WINIX WSC-500“ vytváří malé částečky vody. Provozní režimy pračky Winix WSC-500: Pračka vzduchu „WINIX WSC-500“ má pohodlný automatický provozní režim. Současně je udržována nejoptimálnější a nejpohodlnější vlhkost v místnosti - 50-60% a plazmový režim čištění vzduchu a ionizace (“Plasma Wave™”) je standardně zapnutý.
Architektura Japonska
Japonsko bylo dlouhou dobu považováno za uzavřenou zemi, kontakty byly pouze s Čínou a Koreou. Jejich vývoj se proto ubíral vlastní zvláštní cestou. Později, když na území ostrovů začaly pronikat různé novinky, si je Japonci rychle přizpůsobili pro sebe a předělali po svém. Japonský architektonický styl představuje domy s masivními zakřivenými střechami, které je chrání před neustálým prudkým deštěm. Císařské paláce se zahradami a pavilony jsou skutečným uměleckým dílem.
Z náboženských staveb nalezených v Japonsku můžeme vyzdvihnout dřevěné šintoistické chrámy, buddhistické pagody a buddhistické chrámové komplexy, které se dochovaly dodnes, které se objevily v pozdějším období dějin, kdy buddhismus vstoupil do země z pevniny a byl vyhlášen státem náboženství. Dřevostavby, jak víme, nejsou odolné a zranitelné, ale v Japonsku je zvykem obnovovat budovy v jejich původní podobě, takže i po požárech jsou přestavěny do stejné podoby, v jaké byly v té době postaveny.
Japonské sochařství
Buddhismus měl silný vliv na vývoj japonského umění. Mnoho děl představuje obraz Buddhy, takže v chrámech byly vytvořeny četné sochy a sochy Buddhy. Byly vyrobeny z kovu, dřeva a kamene. Teprve po nějaké době se objevili mistři, kteří začali zhotovovat světské portrétní sochy, ale časem se jejich potřeba vytratila, a tak se k výzdobě staveb začaly stále častěji používat sochařské reliéfy s hlubokými řezbami.
Miniaturní socha netsuke je považována za národní uměleckou formu Japonska. Zpočátku takové postavy hrály roli klíčenky, která byla připevněna k opasku. Každá figurka měla otvor pro šňůru, na kterou se zavěšovaly potřebné věci, protože oblečení v té době nemělo kapsy. Figurky Netsuke zobrazovaly světské postavy, bohy, démony nebo různé předměty, které měly zvláštní tajný význam, například přání rodinného štěstí. Netsuke jsou vyrobeny ze dřeva, slonoviny, keramiky nebo kovu.
Dekorativní umění Japonska
Výroba zbraní s ostřím byla v Japonsku povýšena na uměleckou úroveň, čímž byla výroba samurajského meče dovedena k dokonalosti. Meče, dýky, rámy na meče, prvky bojové munice sloužily jako jakési pánské šperky, naznačující příslušnost k dané třídě, takže byly vyrobeny zručnými řemeslníky, zdobené drahými kameny a řezbami. Japonská lidová řemesla zahrnují také keramiku, lak, tkaní a dřevoryt. Tradiční keramické výrobky malují japonští hrnčíři různými vzory a glazurami.
Japonská malba
V japonském malířství převládal zprvu monochromní typ maleb, úzce spjatý s uměním kaligrafie. Oba byly vytvořeny podle stejných principů. Umění výroby barev, inkoustu a papíru se do Japonska dostalo z pevniny. V tomto ohledu začalo nové kolo vývoje malířského umění. V té době byly jedním z typů japonské malby dlouhé horizontální svitky emakinomo, které zobrazovaly výjevy ze života Buddhy. Krajinomalba se v Japonsku začala rozvíjet mnohem později, poté se objevili umělci, kteří se specializovali na výjevy ze společenského života, malbu portrétů a válečných výjevů.
V Japonsku obvykle malovali na skládací obrazovky, shoji, stěny domů a oblečení. Pro Japonce je paraván nejen funkčním prvkem domova, ale také uměleckým dílem k rozjímání, definujícím celkovou náladu místnosti. Národní oděv, kimono, je také kusem japonského umění, který nese zvláštní orientální příchuť. Dekorativní panely na zlaté fólii s použitím jasných barev lze také zařadit mezi díla japonské malby. Japonci dosáhli velké dovednosti při vytváření ukiyo-e, takzvaného dřevorytu. Předmětem takových obrazů byly epizody ze života obyčejných měšťanů, umělců a gejš, jakož i nádherné krajiny, které se staly výsledkem vývoje malířského umění v Japonsku.
Knihy o japonské kultuře a umění, o japonských rytinách.
Japonské umění je výjimečný fenomén. Jen díky odlehlosti Japonska od hlavních kontinentů se mohla vyvinout tato úžasná kultura, která se tak nepodobá ničemu, co kdy člověk vytvořil. Japonci mají zvláštní vztah ke kráse a harmonii: všímají si kouzla v maličkostech a vidí to hlavní, aniž by je rozptylovaly detaily a zdobení. Pro Japonce je každé umělecké dílo vnitřní meditací, pochopením Krásy a jejím naplněním. Proto japonské umění ve většině případů má dekorativní a aplikovaný charakter.
Tato kniha představuje všechny druhy japonského umění: malbu a grafiku, architekturu a dekorativní umění, zbraně a mnoho dalšího – v kontextu historického vývoje od starověku až po současnost.
"Expresivní krásu japonského umění nelze vyjádřit slovy, ale pouze prostřednictvím věrné reprodukce obrazových originálů. Uvedení tohoto systému do praxe je to, čemu bude celá tato kniha věnována."
Toto je ohromující, krásná edice, která je ideální jako dárek. Velký formát, velmi dobrý tisk a vynikající obsah!
Jedná se o druh ilustrované encyklopedie o japonském umění. 
- japonské umění. Krátký historický nákres
- Japonské rytí
- "Manga" - rychlé náčrtky Hokusaie
- japonská architektura
- Génius japonské výzdoby
- Práce s drahými kovy
- Ocelová ramena
Daisetsu Suzuki: Zen a japonská kultura
Zen a japonská kultura
Slavný japonský buddhistický učenec Daisetsu Teitaro Suzuki (1870 - 1966) zve čtenáře, aby se ponořil do světa rozmarné japonské kultury. Jedinečnost této kultury je z velké části způsobena dlouhým a plodným vlivem zenového buddhismu na ni.
Autor školy prezentuje téma jako představitel zenu a popisuje a analyzuje tvůrčí přínos této školy buddhismu pro japonskou duchovní kulturu, a to v šermu a čajovém obřadu, poezii a dramatu, malbě a studiu konfucianismu. Vysvětluje, proč se ukázalo, že učení zenu bylo v souladu s principy třídy samurajů, a také ukazuje, jaké rysy japonského národního ducha se objevily pod vlivem zenu. 
Autor vede čtenáře k myšlence, že Japonci by jen stěží byli schopni zformovat celistvý národ, kdyby nezažili hluboký vliv této školy dálněvýchodního buddhismu, založeného indickým mnichem Bodhidharmou v 6. století. n. E.
Pro široké spektrum čtenářů.
Ilustrace v knize jsou černobílé a barevné, jsou krásné a poučné.
Předmluva
I. Co je Zen?
II. Obecné poznámky o japonské kultuře
III. Zen a studium konfucianismu
IV. Zen a samuraj
V. Zen a umění šermu
VI. Zen a umění šermu (pokračování) 
VII. Zen a haiku
VIII. Zen a umění čaje
IX. Zen a umění čaje (pokračování)
X. Rikyu a další stoupenci umění čaje
XI. Láska k přírodě
Aplikace
I. Dva mondo z Hekiganshu
II. Vimalakirti Sutra
III. Yama-uba, hra divadla Noh
IV. Šermíř a kočka
V. Chuang Tzu
S. V. Pakhomov. Zen jako základ japonské kultury
Ukazatel
Japonský tisk, minikniha
Kniha představuje reprodukce děl nejvýraznějších japonských umělců konce 17. - 1. poloviny 19. století, kteří se proslavili nádhernými a barevnými, exotickými a zároveň snadno srozumitelnými rytinami znázorňujícími krajinu, portréty kurtizány a herci, erotické a žánrové scény.
Toto je MINI kniha! Rozměry: 98x80x30 mm.
Zlatý okraj a stříbrné šněrování ohromí. 
Reprodukce jsou malé velikosti, některé velikosti velké poštovní známky, ale kvalita tisku je vynikající a zvětšeniny částí reprodukce jsou uvedeny na následujících stránkách.
Skvělá edice pro všechny fanoušky miniknih.
Stran: 512 (Křídový papír).
Japonský tisk
"Potěšení pro oči, úžasné dobrodružství pro srdce i duši." - Le carnet du collectionneur, Brusel
O sestavovateli: Gabrielle Fahr-Becker vystudovala dějiny umění, archeologii a filozofii a získala doktorát na Mnichovské univerzitě v roce 1970 dizertací o modernitě. Je autorkou několika knih o umění.
Luxusní edice, ale relativně levná.
Formát - na šířku. 
Křídový papír, 200 stran, spousta ilustrací - černobílých i barevných
Na začátku knihy je článek o ukiyo-e ("proměnlivý svět"). Plus článek o třešních.
Zpočátku byly rytiny pouze černobílé, kreslené tuší, pak se rytiny staly barevnými a námět se rozšířil. K rytinám v knize jsou uvedeny vysvětlivky.